Créativité et hypersensibilité vont souvent de pair et pourtant, quand tout déborde, c’est la première chose qu’on abandonne. Il y a des moments dans la vie où on se retrouve complètement déconnectée de soi- même. Pas seulement fatiguée. Déconnectée. Comme si une partie de toi existait à l’intérieur (avec ses ressentis, ses émotions, ses tempêtes) mais que tu n’avais aucun moyen de lui donner une forme, un espace, une existence concrète. C’est ce que j’ai vécu adolescente, quand la maladie est arrivée.
Pendant près de deux ans, le diagnostic de maladie de Crohn n’a pas été posé. Deux ans à traverser des symptômes que personne ne nommait vraiment. Et à côté de ça, une autre solitude : je ressentais tout de façon très intense, mais il n’existait pas encore de mots pour décrire ce type de profil. L’hypersensibilité n’était pas un sujet. On ne m’apprenait pas à l’écouter.
Je ne me reconnaissais plus. Et je ne me sentais pas reconnue. C’est là que le besoin est né, profond, presque instinctif, de sortir ce qu’il y avait à l’intérieur de moi. Pas seulement pour m’en distancer. Mais pour lui donner une forme. Pour pouvoir enfin le voir.
Ce que tu trouveras dans cet article
1. Une onde de choc dans un musée
3. Ce que le gribouillage fait à ton cerveau
4. Le processus créatif, une pratique vivante
1. Une onde de choc dans un musée
Tout a vraiment basculé lors d’une sortie scolaire à Beaubourg, en fin de lycée. Je me suis retrouvée face à un tableau de Francis Bacon.
Bacon était un peintre irlandais né à Dublin en 1909, figure majeure du XXe siècle. Ses toiles représentent des corps humains déformés, torturés, cernés dans des espaces vides. Ce n’est pas une peinture qui cherche à être belle. C’est une peinture qui veut toucher quelque chose de brut en toi.
Et ça m’a traversée.
Je ne pouvais pas dire que c’était beau. Mais paradoxalement, j’ai ressenti une paix profonde.
Parce que pour la première fois, je voyais ma propre colère, ma révolte intérieure, mon incompréhension, elles existaient là, sur cette toile. Quelqu’un d’autre les avait vues aussi. Quelqu’un avait osé leur donner une forme.
C’est là que quelque chose s’est mis en mouvement en moi, inconsciemment : moi aussi, je voulais traduire l’invisible. Donner une forme au chaos. Créer pour me rencontrer.
2. Le dessin comme exutoire
Je suis entrée aux Beaux-Arts. Pas pour apprendre une technique. Pour sortir ce qu’il y avait à l’intérieur.
J’ai commencé à dessiner tous les jours, de manière automatique. Chaque jour, une feuille, une plume, de l’encre. Des lignes et des lignes, sans chercher à faire quelque chose de beau, sans but précis. Comme un écrivain qui remplit ses pages, mais avec le trait.
Ce que j’appelais « dessin automatique » a un nom dans l’histoire de l’art. André Breton, dans son Manifeste du surréalisme en 1924, définissait l’automatisme comme « un automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer le fonctionnement réel de la pensée, sans contrôle de la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. » Les surréalistes (Masson, Miró, Breton lui-même) ont fait du dessin automatique un outil d’exploration de l’inconscient. L’idée : laisser la main tracer sans que le mental ne dirige. Laisser surgir.
C’est exactement ce que je faisais, sans le savoir.
Peu à peu, des signes ont commencé à apparaître dans ces lignes. Puis des personnages. Des paysages intérieurs. Et finalement, la couleur est venue. D’abord timidement, séparément du trait noir, puis de plus en plus présente.
Ce dessin m’a accompagnée à travers les hospitalisations, les périodes difficiles. Pendant les longs repas de famille où je ne pouvais pas manger comme les autres, pendant les apéritifs interminables, je dessinais. Ce n’était pas une fuite. C’était une bulle à moi, un espace où je pouvais filtrer ce qui arrivait de l’extérieur et le transformer immédiatement.
J’ai compris beaucoup plus tard que c’était ma toute première pratique méditative. Je croyais juste gribouiller. En réalité, je m’entraînais à être présente à moi-même.
3. Ce que le gribouillage fait à ton cerveau
Tu as probablement déjà eu ce réflexe : au téléphone quand ça traîne, en réunion quand ça s’éternise, tu attrapes un stylo et tu griffonnes. Ce n’est pas anodin.
Des recherches montrent que le gribouillage spontané aide à la concentration, réduit le stress et permet de rester présente à ce qui se passe. Quand la main dessine, la partie motrice du cerveau reste active et du coup, le mental vagabonde moins. Il peut rester là.
Lorsque la partie motrice est inactive, le cerveau s’ennuie. Et cet ennui, c’est le signal du basculement : les pensées sautent d’une idée à l’autre, on décroche, on part ailleurs. Dessiner, même sans intention, ancre littéralement l’attention dans le présent.
4. Le processu créatif, une pratique vivante
Le processus créatif est mystérieux. Il y a eu dans ma vie de grandes périodes de silence, des pauses nécessaires, comme si quelque chose avait besoin de se digérer, de décanter. Et des périodes où dessiner était devenu une urgence, une forme d’appel que je ne pouvais pas ignorer.
Au fil du temps, ma pratique a évolué. D’abord uniquement en noir et blanc, à la plume et à l’encre. Puis la découverte de la couleur numérique avec Procreate ou Photoshop, des outils qui me mettaient dans un état presque hypnotique, une conscience élargie. Et aujourd’hui, je travaille toujours avec ce trait noir que j’aime comme une structure, une ossature, et je viens ensuite jouer avec les nuances au crayon de couleur. Puis l’aquarelle, pour son rapport à l’eau, au mouvement, à l’imprévisible.
J’ai aussi été accompagnée. Pendant longtemps, notamment pendant mes études d’infirmière, j’ai suivi un accompagnement en art-thérapie (l’un de mes outils favoris pour traverser les périodes intenses). Et en psychologie transpersonnelle, j’ai découvert la magie des mandalas : cette façon de dessiner à l’intérieur d’un cercle qui permet d’ancrer dans la matière ce qu’on vient de traverser intérieurement. C’est d’ailleurs quelque chose que je propose souvent après les voyages intérieurs et les rêves éveillés : inviter à poser un dessin dans un cercle, pour ancrer les impressions reçues.
Je ne parle pas d’art-thérapie au sens clinique du terme (c’est un accompagnement paramédical spécifique, réalisé par des thérapeutes formés). Ce que je partage ici, et dans mon accompagnement holistique, c’est quelque chose de différent : la créativité comme outil de reconnexion à soi, de régulation, de présence. Un espace où tu peux te retrouver.
5. Pourquoi c’est précieux si tu es ultra-sensible
Quand on perçoit le monde de façon très intense, quand les émotions arrivent avec force et les impressions s’accumulent, on a besoin de leur donner une forme. Pas pour s’en débarrasser mais pour les reconnaître, pour les voir, pour pouvoir dialoguer avec elles.
Le dessin offre exactement ça : un espace qui reçoit tout ce qui déborde. Sans jugement. Sans qu’on ait besoin de l’expliquer à quelqu’un.
Et il y a quelque chose d’encore plus précieux : la créativité transforme la porosité. Cette capacité à tout ressentir, qui peut être si épuisante, devient une matière première. Elle devient une ressource.
6. À toi de jouer
Voici une pratique simple que j’aime proposer. Pas besoin de savoir dessiner. Pas besoin de faire quelque chose de beau. L’intention, c’est juste d’être là, présent.e à toi-même, à travers le trait.
Ce dont tu as besoin : une feuille blanche, un crayon noir (ou feutre fin), des crayons de couleur ou des feutres. 10 à 15 minutes de calme.
1. Crée ton espace
Trace un cadre sur ta feuille → un rectangle ou un carré. C’est ton espace de création. Ton monde intérieur a des bords, ce n’est pas un territoire infini à explorer d’un coup.
2. Laisse la main tracer
À l’intérieur du cadre, laisse la main faire des lignes qui se croisent librement → courbes, droites, diagonales, comme elles viennent. Sans réfléchir. Sans chercher à faire quelque chose de reconnaissable. C’est le geste qui compte, pas le résultat.
3. Observe ce qui apparaît
Regarde maintenant les espaces que les lignes ont créés. Laisse ton imaginaire y entrer. Est-ce qu’une forme évoque quelque chose → une feuille, un visage, une silhouette ? Ne construis pas, observe simplement.
4. Colorie avec intention
Commence à colorier certains espaces. Choisis les couleurs sans les raisonner → laisse venir ce qui vient. Tu peux varier les textures : appuyer fort, effleurer, superposer. Laisse vivre les couleurs.
5. Respecte les silences
N’oublie pas de laisser des espaces vides, non coloriés. Ces espaces blancs ne sont pas des oublis → ils sont le silence, la respiration dans ta création. Ils lui donnent du rythme.
7. Un dernier message…
Par un dessin par jour, pendant des années. Un crayon. Une feuille. Et la volonté d’être présent.e à ce qui vit en moi.
J’ai appris que la créativité n’est pas réservée aux artistes. Elle est là, en chacun de nous, comme un langage qui attend d’être parlé. Et pour nous, les hypersensibles, c’est souvent un langage naturel, celui du ressenti, de l’image, du symbole.
Reconnecter à sa créativité, c’est reconnecter à soi. Pas forcément de manière grandiose. Parfois juste un trait sur une feuille, un geste du soir, une couleur qui dit quelque chose qu’on n’aurait pas su nommer autrement.
Et parfois, c’est aussi là que tout commence.
“Si vous pouviez le mettre en mots, vous n’auriez pas à le peindre. ”
Edward Hopper
